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- 27/09
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- 03/10
Festival international de la Photographie Culinaire
Marseille
Découvrez l’expo “Le Sud”, qui regroupe les 72 photos culinaires des lauréats du 11ème FIPC.
De la collection à l’atelier
Marseille
Les œuvres sont sélectionnées dans le fonds de la collection Regards de Provence et enrichies par des créations récentes des 46 artistes réunis. Cette exposition revendique son soutien à l’art contemporain en général et aux artistes de la région Sud choisis dans la collection dont le travail et la sensibilité sont remarquables de créativité. Elle donne à voir l’étendue de la collection, la pluralité de regards et de techniques qui la compose. C’est dans ce contexte de crise que l’Art doit révéler ses valeurs humaines, de catalyseur d’énergies positives, de symbole d’ouverture d’esprit, d’évasion, de lien social. Cet évènement a pour ambition de mettre en scène des regards croisés artistiques, mêlant peintures, dessins, photographies, sculptures, poésies et vidéos. Il réunit : Thierry Agnone, Alfons Alt, Ludovic Alussi, Georges Autard, Brigitte Bauer, Ben, Emmanuelle Bentz, Olivier Bernex, Vincent Bioulès, Jean-Pierre Blanche, Katia Bourdarel, Eric Bourret, Charles Camberoque, Max Charvolen, Benjamin Chasselon, Marc Chostakoff, Frédéric Clavere, Robert Combas, Cécile Delolmo Bernard, Didier D.Daarwin, Bernard De Tournadre, Philippe Domergue, Adrian Doura, Luc Dubost, Feng Ge, Piotr Klemensiewicz, Izabela Kowalczyk, Jean Le Gac, François Mezzapelle, Patrick Moquet, Stéphan Muntaner, Philippe et Claire Ordioni, ORLAN, Sylvie Pic, Serge Plagnol, Bernard Plossu, Christian Ramade, Olivier Rebufa, Georges Rousse, Nicolas Rubinstein, Jean-Jacques Surian, Michèle Sylvander, Gérard Traquandi, Aurore Valade, Claude Viallat, Gao Xingjian. Le principe de l’exposition est d’associer aux œuvres de la collection des œuvres récentes, afin de faire découvrir le cheminement créatif actuel des artistes. En les plaçant à côté des œuvres plus anciennes, on pourra identifier les éventuelles ruptures, les différences notables, ou les similitudes, les équivalences et les répétitions éventuelles qui pourraient s’y révéler. Le duo d’œuvres ainsi présenté ouvrira les portes à notre spéculation… Ainsi, renversant le cheminement habituel d’une collection - qui va "de l’œuvre en atelier au musée" -, la collection du musée se dirige ici vers l’atelier, en changeant le paradigme habituel. La Fondation Regards de Provence a constitué une collection d’œuvres d’art dès le début de sa création en 1997. Elle représente un ensemble de plus de 1000 œuvres qui est constitué de peintures, dessins, sculptures, photographies, couvrant plus particulièrement la fin du XIXe jusqu’au début du XXIème siècle. La collection se caractérise par trois volets distincts. Le premier privilégie la création artistique qui rend compte des nombreux particularismes de la région Sud de 1850 jusqu’aux années 1900 ; Le second volet fait le pont sur la première moitié du XXe siècle ; Le troisième volet s’ouvre sur des œuvres contemporaines qui se manifestent dès l’après-guerre. Cet ensemble de plus de 300 œuvres, d’une centaine d’artistes, illustre bien la volonté du musée de poser un regard sur l’aventure de la création contemporaine en Provence et en Méditerranée. L’exposition s’inscrit pleinement dans une démarche visant à valoriser les richesses artistiques du territoire. Le musée va s’attacher à faire rayonner la création locale à l’échelle régionale et nationale en organisant cette exposition.
Cézanne - Kandinsky
Les Baux-de-Provence
Programme long Cézanne, maître de la Provence L’exposition immersive présente les chefs d’œuvre les plus significatifs de Cézanne (1839-1906) tels que ses natures mortes aux pommes, Les joueurs de cartes (1890-95) et Les grandes baigneuses (vers 1906). Peintre autodidacte aux 900 toiles et 400 aquarelles, Cézanne représente des portraits, des natures mortes, des paysages, des scènes historiques et réalise de multiples versions d’un même sujet expérimentant sans cesse les possibilités de la matière picturale. Le visiteur est immergé dans la nature, sous les grandes frondaisons des arbres et forêts, des parcs et jardins où se reposent les baigneuses pour finir sur la nature cézannienne par excellence : Bibémus, l’Estaque, et, point culminant, la Sainte-Victoire. Sa peinture est aussi d’une profonde et entière sincérité, entretenant l’incertain, la passion. Le visiteur porte son regard sur le paysage intime de l’artiste : les autoportraits de son tourment intérieur, la tempérance apportée par l’apaisant quotidien aixois, l’intimité de l’atelier... La force des traits, le jeu sur la matière et son évolution, la présence permanente de la nature, la suspension du temps, l’évolution vers une réalité abstraite de couleurs et de formes. Cézanne, maître de la Provence propose un voyage au cœur des œuvres majeures de l’artiste aixois, suivant le fil rouge de la nature vers la Provence et la Sainte-Victoire. Création et mise en scène : Cutback sous la direction artistique de Gianfranco Iannuzzi. Durée : 35 min Programme court Vassily Kandinsky, l’Odyssée de l’abstrait Après Cézanne les Carrières de Lumières présentent une création d’une dizaine de minutes réalisée à partir des œuvres de l’artiste prolifique et visionnaire Vassily Kandinsky (1866-1944). Peintre poète, théoricien de l’art et fondateur de l’art abstrait, Kandinsky révolutionne l’histoire de l’art avec ses nombreuses compositions aujourd’hui exposées à travers le monde. Comme Cézanne, il se révèle relativement tard, à l’âge de 30 ans. Né à Moscou, après des études de droit, il voyage à travers toute l’Europe et découvre les artistes avant-gardistes, Cézanne, Monet, Matisse... Kandinsky peint d’ailleurs lui aussi, à sa façon, la montagne Sainte Victoire. Ses recherches sur la symbolique de la couleur et des formes font écho à celles de Cézanne : les 2 artistes contestent la perception objective et privilégient l’intériorité du peintre, l’essence même de la création. L’exposition immersive se déroule en 2 temps. La 1ere partie évoque les débuts figuratifs de l’artiste, teintés d’impressionnisme, de fauvisme onirique et d’une touche de pointillisme. La 2ème partie est plus expérimentale, dévoilant la force de mouvement et de rythme des formes et de la couleur. Plongé dans une explosion chromatique, le visiteur découvre les œuvres les plus significatives de cet élan de modernité. Réalisation et mise en scène : Cutback sous la direction artistique de Virginie Martin. Durée : 10 min. Durée de l'ensemble de la programmation : 45 min
Zao Wou-Ki, Il ne fait jamais nuit
Aix-en-Provence
L’exposition regroupe près de 80 œuvres de 1935 à 2009 (huiles sur toile, aquarelles et encres de Chine sur papier) provenant de collections publiques et privées. Cet ensemble a pour ambition de mettre au jour un des grands thèmes de création de l’artiste : inventer de nouveaux espaces picturaux construits à partir de son travail sur la couleur et la représentation de la lumière. Lumière et espace sont en effet indissociables dans son œuvre et permettent de comprendre son objectif récurrent de "donner à voir" ce qui ne se voit pas et qui l’habite, "l’espace du dedans". Dans la période qui suit son installation à Paris en 1948, Zao Wou-Ki explore le thème de la lumière diurne ou nocturne dans une série d’œuvres poétiques intégrant simplement la représentation des astres lunaire et solaire. Le passage à l’abstraction opéré au milieu des années 1950 par l’usage du signe emprunté à Paul Klee, enrichit son rapport à la lumière et à l’obscurité, exprimées alors par le jeu des masses colorées, qui s’affrontent ou fusionnent. La pratique de l’encre de Chine, grâce à Henri Michaux à partir de 1970, lui permet de faire évoluer la tradition chinoise. Il entame alors un travail sur le vide, associé au blanc ou à la réserve, et le plein, associé au noir de l’encre. Cette recherche se prolonge dans sa peinture et lui fait découvrir de nouveaux espaces. Les œuvres des années 1970 et 1980 renvoient à une face plus sombre, correspondant à des périodes de souffrances et de deuil. Ces va-et-vient entre lumière et part d’ombre puisent leur inspiration dans la longue histoire de la peinture chinoise qui recherche l’équilibre des contraires. Guidé à ses débuts et jusqu’à la fin de sa vie par le génie de Paul Cézanne (Paysage Hangzhou, 1946 ; Hommage à Cézanne, 2005), Zao Wou-Ki a lui aussi été sensible à la lumière spécifique du soleil du midi de la France. Après avoir loué entre 1958 et 1972 un atelier dans le Var où il retrouvait nombre d’amis, l’architecte Josep Lluís Sert lui construit un atelier à Ibiza en 1973, qui sera un nouveau lieu de création. À partir de 2004, Zao Wou-Ki séjourne à plusieurs reprises en été dans la propriété du Luberon du couturier Emanuel Ungaro, très attaché par ailleurs à sa ville natale d’Aix-en-Provence. Zao Wou-Ki y travaille « sur le motif », fait nouveau pour lui, et peint une série d’aquarelles qui seront présentées pour la première fois à l’Hôtel de Caumont. Elles rendent compte de la luminosité et des couleurs tantôt flamboyantes tantôt assourdies des paysages du Luberon. Ces œuvres expriment à l’ultime moment de sa vie son bonheur de peindre l’immuable. Commissariat : Erik Verhagen, historien de l’art et co-commissaire de l’exposition Zao Wou-Ki au MAMVP, et Yann Hendgen, directeur artistique de la Fondation Zao Wou-Ki.
Jeff Koons Mucem. Œuvres de la Collection Pinault.
Marseille
L’exposition "Jeff Koons Mucem. Œuvres de la Collection Pinault", conçue en étroite collaboration avec l’artiste américain, présentera à Marseille certaines de ses œuvres les plus célèbres, et explorera la relation entre ces œuvres et les objets du quotidien, photographies et documents de l’immense collection du Mucem, référence dans le domaine des arts populaires. Artiste incontournable de la fin du XXe siècle et de ce début de XXIe siècle, Jeff Koons (né en 1955 à York, Pennsylvanie, Etats-Unis) puise son inspiration dans le quotidien, dans des objets banals, familiers, issus bien souvent de la culture américaine. En réinterprétant le concept de Readymade de Marcel Duchamp, Koons interroge l’idée même d’œuvre d’art. La variété des sujets auxquels il s’intéresse, les références continuellement présentes à l’histoire de l’art ou au monde de la publicité ainsi que le large spectre des techniques auxquelles il a recours ont contribué à faire entrer son travail dans notre imaginaire collectif, en offrant un nouveau regard sur notre relation au quotidien et aux objets qui nous entourent. Portant un regard perspicace sur son temps, il n’en est pas moins amateur et curieux des productions matérielles du passé, artistiques et populaires. Cet intérêt pour l’objet usuel fait de la rencontre entre l’artiste et la collection du Mucem un terrain de jeu parfait. Grâce au prêt exceptionnel de 20 œuvres issues de la Collection Pinault, c’est une véritable plongée dans le travail de l’artiste, jalonnée par ses œuvres phares, sculptures comme Balloon Dog (1994-2000) ou Lobster (2007-2012), et peintures (comme Backyard, 2002, ou Dutch Couple, 2007) qui est proposée. Depuis les premières œuvres de la série The New, aux pièces devenues iconiques de la série Celebration en passant par les créations les plus récentes comme les séries Gazing Ball et Antiquity, l’exposition retrace la carrière de l’artiste sur les 35 dernières années, de manière chronologique, et revient sur les thèmes iconographiques, les associations visuelles et les modes d’expression qui lui sont chers. Pinault Collection se réjouit de contribuer, par ce prêt important, à la réalisation d’une exposition d’un grand musée national et cela la même année où elle ouvre au public son musée parisien de la Bourse de Commerce et présente à Venise, à Punta della Dogana, une exposition de référence consacrée à Bruce Nauman. Mais l’originalité de l’exposition tient à la rencontre des œuvres de Koons avec les collections du Mucem. Chaque œuvre est en effet mise en relation avec un ensemble d’objets conservés par le musée pour créer une conversation tantôt formelle, tantôt symbolique ou poétique, entre les pièces majeures de Jeff Koons et les collections d’art populaire. Pour le Mucem, l’expérience permet une relecture inédite de ses collections : Koons en revisite l’histoire, joue avec leur plasticité et leur polysémie, retourne à l’esthétique de l’objet, leur redonne parfois une forme de contemporanéité, en fait et défait le sens dans un parcours libre et spontané. Les objets choisis au sein des collections sont issus d’un long et minutieux travail dans les réserves du Mucem. Jeff Koons a ainsi exploré l’ensemble des fonds pour sélectionner objets de la vie quotidienne, chefs d’œuvres d’art populaire, documents et photographies rendant hommage à la variété des collections. Le choix final, portant sur plus de 200 pièces, a été nourri d’échanges sur le sens des objets, leur usage, leur forme, afin d’inviter le visiteur de cette exposition à une promenade contemplative où le beau surgit de l’objet de peu et de sa mise en résonance avec le regard de l’artiste. Servie par une scénographie originale éloignée des modes de présentation habituelles de l’art contemporain, l’exposition propose une manière inédite de montrer le travail de Jeff Koons, à travers les liens tissés avec les collections du Mucem. " Jeff Koons Mucem" débute avec New Hoover Convertible, New Shelton Wet/Dry 10 Gallon Doubledecker (1981), œuvre emblématique de la série The New : un aspirateur est ainsi exposé dans une boite en plexiglass face à une des unités écologiques que conserve le Mucem, un dispositif muséographique historique phare de l’ancien musée des arts et traditions populaires. Le parcours se termine avec le monumental Bluebird Planter (2010-2016) de la série Antiquity, une pièce en acier inoxydable dont le poli miroir et le revêtement coloré translucide donnent l’illusion que l’oeuvre a été réalisée en gonflant un petit objet en porcelaine. L’œuvre dialogue avec une série d’objets en forme d’oiseaux, comme des appeaux, des épis de faitage et d’autres petites pièces décoratives. Après "Un génie sans piédestal, Picasso et les arts et traditions populaires" ou "Jean Dubuffet, un barbare en Europe"," Jeff Koons Mucem" s’inscrit dans la série des expositions du musée consacrée aux passeurs, ces grands artistes qui donnent sens aux sociétés qu’ils observent. Commissaires : Elena Geuna, commissaire d’exposition indépendante et Émilie Girard, conservatrice en chef du patrimoine, directrice scientifique et des collections du Mucem Scénographe : Pascal Rodriguez Partenaires : avec le soutien de la Caisse d’Epargne CEPAC, de la fondation PwC France et Afrique Francophone et d’Interxion Cette exposition bénéficie du prêt exceptionnel de vingt oeuvres de Jeff Koons par Pinault Collection. Dans le cadre du PAC - Printemps de l'art contemporain.
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