Un rêve en huis-clos, dans des maisons et des appartements délabrés et lugubres, qui ont des portes qui se multiplient à l’infini.

Emre Orhun
Emre Orhun est un illustrateur de nationalité turque, né en Chine, lyonnais d’adoption depuis 1993, formé au dessin à l’Ecole Emile Cohl (Lyon) d’où il a été diplômé avec félicitations en 1998. Depuis 2005, il est retourné à l’Ecole Emile Cohl, cette fois-ci pour enseigner la bande-dessinée et l’illustration.

Pour ses illustrations et dessins, il utilise le plus souvent la technique de la carte à gratter qu’il a vu pour la première fois dans une bd du dessinateur underground Thomas Ott. Il n’hésite pas à varier les plaisirs en utilisant des techniques plus traditionnelles comme le crayon, la plume, l’acrylique et la gouache, mais aussi l’informatique pour des peintures numériques.

Préférant l’art populaire et sans frontières, il a travaillé pour différents supports comme l’illustration jeunesse, le dessin de presse, la bande-dessinée, des affiches, des couvertures et des pochettes d’albums… Mais aussi, toujours et régulièrement, en produisant des dessins dans le seul but de les exposer. Il a publié un grand nombre d’albums pour l’édition jeunesse comme Dr Jekyll et Mr Hyde (Grimm Press - Taïwan), Le Chant des Génies (Actes Sud) ou Pierre Noël (éd. Sarbacane) mais travaille aussi régulièrement pour la presse nationale (Le Monde, XXI, Libération…).

En parallèle de son travail d’illustrateur, il aime produire des séries de dessins personnels en vue de les exposer. Il a fini en 2010 un projet de bande dessinée, Erzsebet, en collaboration avec Cédric Rassat, pour les éditions Glénat. En 2011, il a été en résidence pendant 6 mois à la Maison des Auteurs d’Angoulême pour travailler sur son projet de bande-dessinée Medley. Toujours chez Glénat, il a sorti un nouvel album avec le même scénariste : La Malédiction du Titanic en Mars 2012. A paru en Juin 2013 : un livre d’image, Les Vies Imaginaires chez Le Dernier Cri / Marseille. Derniers ouvrages, paru en 2016 : Medley, bande-dessinée de 150 pages aux éditions Même Pas Mal / Marseille et en 2018, la version illustrée du roman Kinyas ve Kayra de Hakan Günday, auteur turc ayant reçu le prix Médicis Etranger en 2016.

"Ce projet est né de l’envie de retranscrire le rêve récurrent que je fais depuis des années. "

"Je croise souvent des personnages dont je n’arrive pas à distinguer clairement les visages en raison de l’obscurité des pièces. Puis leurs traits changent en un clin d’oeil sans que je puisse les saisir. Pour retranscrire ce rêve récurrent, j’ai d’abord réalisé une série de 25 dessins automatique où j’ai laissé errer ma plume au gré de mon inconscient, un trait amenant un autre, un dessin appelant le suivant. Ces encres m’ont servi de base pour les vingt grands dessins en carte à gratter que j’ai dessinés par la suite et qui m’ont pris pas moins de trois ans à réaliser : au vu du format plutôt grand pour cette technique longue et exigeante qu’est la carte à gratter, chaque dessin me prenait à peu près trois semaines pour les finir et pour donner vie aux personnages étranges qui les habitent. Véhicules de mon exorcisme."
Emre Orhun

Vernissage mercredi 22 juin à 18h.

Une proposition de Le Dernier Cri.

Ma progression artistique s’inscrit dans l’acceptation des différents handicaps qui accompagnent ma vie et m’ouvrent à la créativité et aux partages.

Mes oeuvres émanent princiaplement d’émotions profondes. La couleur je ne la travaille qu’avec les primaires : rouge, jaune, bleu, noir et blanc ; mes yeux ne maîtrisent pas les contrastes, ne différencient pas un vert d’un bleu, un marron d’un noir ; alors je fais « ma cuisine ». L’empattement des couleurs m’émerveille tellement que j’autorise à toucher mes créations. Mon monde picturale tourne autour de l’émotionnel, offre à chacun la possibilité d’y puiser ce qui l’interpelle, le touche et peut-être le répare dans un regard complice.

Tous uniques et si différents, je ne dirais pas que je suis résiliante car ce mot tellement usité en perd de sa consistance ! Je prends seulement plaisir en pleine conscience du soulagement de ma souffrance et de ma dépendance.

Chantal Niox

En 1947, alors que se font entendre les premières manifestations pour l’indépendance du Ghana, le jeune James Barnor entame sa formation dans un studio photographique d’Accra. Sa carrière est lancée. En 1987, elle connaîtra un dernier tournant, après la fin de ses activités comme photographe officiel du gouvernement. Durant ces quatre décennies, poussé par sa curiosité sans limite pour le médium mais aussi par des conditions économiques parfois difficiles qui l’obligent à se réinventer, James Barnor ne cesse de se mouvoir sur la palette des métiers photographiques. Il dessine une trajectoire circulaire entre les deux pôles d’un monde qu’il s’est fabriqué : Accra, sa ville de naissance, et Londres, sa ville d’adoption.

À l’occasion de sa première rétrospective en France, James Barnor a réuni avec LUMA un portfolio inédit composé de ses images favorites. Elles ont été sélectionnées en revisitant ses archives pléthoriques, parmi 30 000 négatifs et plusieurs centaines de tirages et de documents d’époque. Le dispositif de l’exposition permet une mise en regard des images et des archives pour mieux éclairer leur contexte de production. Il laisse également une large place à la parole du photographe, aujourd’hui âgé de quatre-vingt-treize ans et véritable mémoire vivante qui anime les archives des myriades d’histoires que renferment ses images.

Suivant une trame chronologique, on voyage ainsi, au gré des traversées de James Barnor, du Ghana des années 1950 au Royaume-Uni des années 1960, puis de nouveau au Ghana à partir des années 1970. Si sa production s’ajoute à celles d’autres photographes ouest-africains de la même génération, désormais bien connus, ses va-et-vient l’inscrivent dans une histoire transcontinentale de la photographie encore peu mise en lumière.

Les images de Barnor donnent vie à l’utopie d’un monde commun, par-delà les nationalismes de la deuxième moitié du XXe siècle. Longtemps marginalisées, elles inspirent aujourd’hui une nouvelle génération d'artistes qui luttent pour la représentation de la blackness à travers le monde.

L’exposition James Barnor, Stories. Le portfolio 1947-1987 est présentée dans le cadre des Rencontres d’Arles et s’inscrit dans le Programme Archives Vivantes de LUMA.

L’artiste expose des créations sur toile sur le thème des Mangas, venez découvrir les personnages et les décors de vos mangas préférés.

La série d’expositions « Les Diagonales du catalogue » invite périodiquement à parcourir la richesse des collections de la Bibliothèque de poésie contemporaine du Cipm. Orienté par un thème (hasard, silence, par exemple) le corpus exposé est une des réponses possibles du catalogue à la sollicitation thématique.

Sixième volet de la série, après une exposition consacrée aux livres rares puis une autre à l’œuvre d’Anne-Marie Albiach, « La Diagonale des revues » fait défiler un siècle de premiers numéros de revues de poésie.

Dans le domaine de la poésie peut-être plus qu’ailleurs, il existe un nombre considérable de revues. Or donner ce nombre avec certitude, personne ne le peut ; à vrai dire, personne ne connaît le nombre des revues. En toute rigueur, il n’est donc pas exact de dire que les revues qui existent, qui ont existé, qui existeront, sont simplement nombreuses. Ce ne serait pas suffisamment vrai. On manquerait la véritable essence de leur nombre ; et il ne serait pas exact non plus de les dire innombrables, au sens où leur nombre serait trop grand pour être, à l’échelle d’une vie humaine, déterminé par le décompte.

Quant au nombre, ce qu’il est juste de dire à propos des revues, c’est qu’elles sont indénombrables. Elles forment un ensemble dont le nombre d’éléments est impossible à connaître. Ainsi les revues échappent-elles à la comptabilité de tout recensement. Ce sont des êtres discrets qui apparaissent et disparaissent, qui font bouger les lignes du champ poétique ou qui passent totalement inaperçues ; qui vivent quelques années, des décennies, ou qui sont éphémères.

Pour autant, la discrétion des revues ne doit pas nous faire conclure à leur insignifiance. Si pour certaines d’entre elles, la confidentialité fait partie du projet, elle est le plus souvent une conséquence des difficultés de diffusion auxquelles leurs équipes ont à faire face.

Quoi qu’il en soit, la fonction des revues dans la vie poétique est primordiale : elles sont tout à la fois le lieu des premières publications et des premières traductions, celui des expérimentations et de la présentation des formes neuves, le champ de bataille des avant-gardes, la tribune des manifestes, la vitrine des avancées, des débats critiques relatifs au poème, à son commentaire et à son interprétation. Elles sont aussi des objets sociaux générateurs d’amitiés et de ruptures au sein de collectifs plus ou moins transitoires, de maisons d’édition, de manifestations publiques. Elles sont enfin l’irremplaçable laboratoire des recherches graphiques et des modalités éditoriales.

L’approche scrupuleusement chronologique qui prévaut à l’organisation du corpus présenté ici rend possible une visualisation des successions et des simultanéités. Au fil du parcours, en particulier grâce aux reproductions affichées, on peut observer les évolutions formelles, notamment typographiques mais, surtout et contrairement à une idée reçue, la continuité de l’activité poétique, française comme étrangère.

Le parti pris de ne montrer que les couvertures est une invitation à prolonger la découverte par un temps de lecture dans la Bibliothèque du Cipm où sont consultables les autres numéros des revues présentes dans l’exposition ainsi que les dernières livraisons de celles (plus de 40) auxquelles le Cipm est abonné comme de celles, sans abonnement, dont il suit la production.


Michaël Batalla, directeur du Cipm

Un Leporello, plusieurs carnets et aquarelles exposés à Dubaï en 2007 sont à l’origine de la collaboration de longue durée et de l’amitié entre Hans-Ulrich Obrist et la regrettée Etel Adnan, l’une des plus grandes poètes et artistes de notre temps. Obrist a été magnétiquement attiré par l’énergie cosmique de son travail et a collectionné de manière obsessionnelle toutes les publications qu’il a pu trouver. La première qu’il a lue était Sitt Marie Rose (The Post-Apollo Press, 1977), son opus magnum sur la guerre civile libanaise, qui a consacré Adnan comme une autrice politique majeure et l’une des voix prééminentes des mouvements féministes et pacifistes.

La découverte de son œuvre a alors suscité en lui un sentiment similaire à celui éprouvé face au travail de Paul Klee, lorsqu’il était adolescent. Comme Klee, Adnan était un esprit universel. Sa pratique pourrait être liée à la théorie des supercordes ; un Gesamtkunstwerk aux multiples dimensions élargissant la simple notion de discipline, réunissant cahiers, cartographies, dessins, enseignement, films, journalisme politique, peintures, pièces de théâtre, poèmes, romans, sculptures et tapisseries.

Née à Beyrouth en 1925, Adnan a étudié à la Sorbonne et à Harvard, et c’est à la fin des années 1950, alors qu’elle enseignait la philosophie à l’Université, qu’elle commença à peindre en Californie. C’est là qu’elle tomba amoureuse de la femme de sa vie, Simone Fattal ainsi que d’une montagne, le mont Tamalpais, au pied de laquelle elles vivaient. De cette passion découlent de nombreuses œuvres et le livre Journey to Mount Tamalpaïs (The Post-Apollo Press, 1986). Souvent conçues à partir d’un carré rouge, ses toiles sont des compositions abstraites avec des aplats de couleur appliqués directement à partir des tubes. Elle s’intéressait à la beauté immédiate de la couleur. Pour Simone Fattal, ses peintures « dégagent de l’énergie et procurent de l’énergie. Elles opèrent comme des talismans. »

Son projet non-réalisé de devenir architecte peut être rapproché de sa façon d’aborder la peinture comme quelque chose de construit. Adnan considérait la peinture comme s’adressant au monde extérieur et l’architecture, qui est inéluctablement déjà là et s’impose à nous. Comme elle le disait, « la première architecture pour un être humain est le ventre de sa mère. »

C’est sous une pluie battante, durant l’hiver 2012, qu’Etel Adnan, Simone Fattal, Koo Jeong A, et Hans-Ulrich Obrist ont trouvé refuge dans un café en Bretagne. Au cours de longues conversations, Adnan écrivait des poèmes sur un bloc-notes. Il est alors apparu évident à Obrist que l’on doit célébrer l’écriture manuscrite plutôt que de se lamenter de sa disparition. Depuis ce jour, il poste une fois par jour sur Instagram les notes manuscrites des personnes qu’il rencontre.

Après un premier chapitre en hommage à Édouard Glissant, le second chapitre de l’archive de Hans-Ulrich Obrist se penche sur la myriade de ses conversations avec Etel Adnan de 2009 jusqu’à ses derniers jours en 2021, offrant quinze heures d’entretiens inédits, retraçant leur relation à travers des centaines de documents publiés, de notes post-it, de correspondances manuscrites et de travaux. Leur relation était faite de respect mutuel et, surtout, d’une admiration sans réserve. Ils ont partagé d’innombrables projets ; elle était une habituée des séries d’entretiens intitulées Marathon, organisées chaque année par Obrist à la Serpentine, à Londres ; il a dédié deux grandes expositions à sa pratique et a contribué à la publication de multiples monographies sur son travail. Adnan est une figure essentielle pour LUMA à Arles, un projet que Hans-Ulrich Obrist accompagne depuis sa genèse. Maja Hoffmann, fondatrice de LUMA, se souvient : « Un jour, Etel m’a dit que ce que nous faisons, avec LUMA, consiste à créer un phare pour la Méditerranée. Si LUMA est le phare, alors Etel en est certainement le feu, le feu qui éclaire l’espace et montre des directions. »

Julien Creuzet est un artiste français dont le travail combine le cinéma expérimental, la sculpture, la musique, la performance et la poésie. Mélangeant divers médiums, son œuvre est influencée par l'histoire de la décolonisation. Le titre de l'exposition "Orphée ruminait des mots à l'étouffée, sous la pluie fine du brouillard ardent, anyway les serpents sont-ils sourds et muets, oubli enfoui au fin fond de l’insomnie" est un extrait d'un poème de Creuzet qui interroge la relation entre centres et périphéries. Afin de comprendre la production culturelle contemporaine il nous invite à traverser divers temps et lieux géographiques. En réaction aux récits occidentaux dominants, Julien Creuzet cherche son inspiration dans l'héritage de la pensée philosophique et de la production littéraire afro-caribéenne et créole. Explorant l'ambiguïté de la représentation, de l'identité, du corps, du mouvement et de la danse comme outils de résistance, son intention est de créer une méditation sur un opéra qui se déploie à travers des formes sculpturales et des images en mouvement.

Julien Creuzet s’inspire de l'auteur et poète André Breton, figure emblématique du surréalisme, qui contribua à la réévaluation de l’importance de la culture africaine dans l'Histoire de l'art. Pendant la Seconde Guerre mondiale, André Breton tente d’émigrer aux États-Unis, mais alors qu’il est en route pour New York, il se trouve retenu en Martinique. Pendant son séjour, il explore alors les paysages et la culture locale, qui inspirent son écriture. C’est aussi dans ce contexte qu'il rencontre le poète, dramaturge et futur politicien Aimé Césaire, l'un des auteurs les plus influents des Antilles. L'œuvre d'André Breton, qui remet en question le canon occidental et complexifie l'idéologie dominante de l'époque, ainsi que les écrits de Aimé Césaire sur l'identité noire et le concept de Négritude, constituent un socle du projet de Julien Creuzet.

Les pensées d'Aimé Césaire sur la création d'un sens plus positif de l'humanité incluant les caractéristiques, l’histoire et les valeurs culturelles des peuples noirs, sont exprimées dans le Cahier d'un retour au pays natal. Mélange de poésie et de prose, il aurait commencé à composer cette œuvre littéraire sur une petite île de la côte adriatique de la Croatie. Des paysages marins et des rivages – qui rappellent ce voyage d'Aimé Césaire en Croatie – sont représentés sur des écrans accrochés au plafond. Ils illuminent l'espace, offrant un horizon pictural toujours en mouvement.

Mettant en avant les questions de modernité, de postmodernité et d'hybridité culturelle contemporaine, les formes sculpturales de l'exposition fonctionnent comme une découverte intime et puissante de plusieurs mondes qui se réunissent. Les images utilisées pour composer les œuvres proviennent de sources très diverses, notamment de sculptures africaines historiques, de paysages abstraits et de peintures se référant entre autres au travail de l’artiste Wifredo Lam. Ces compositions créent des passages qui nous invitent à réfléchir à la manière dont les histoires peuvent être des signes de changement et de résistance. L'exposition confronte le spectateur à l'animé et à l'inanimé, reliant l'espace clos de la galerie à un univers de références immensément plus vaste. Des avatars interprètent différentes danses afro-descendantes, alors que des poèmes et des sons énigmatiques et troublants composés par l'artiste font écho à l'éthique de la différence, à la créolisation et à la pluralité des pensées qui sont au cœur de la pratique de Julien Creuzet.

LUMA Arles présente la première édition d’Afrophon', une foire de trois jours consacrée aux éditeurs indépendants et aux livres d’art contemporains africains. Afrophon' rassemble une pluralité de voix éditoriales qui mènent une réflexion sur le médium du livre. Le programme public comprendra également des conférences, des ateliers et des présentations thématiques spéciales, par des praticiens émergents et établis. Afrophon' invite les éditeurs de diverses régions du continent africain à partager leur travail avec leurs pairs, ainsi qu’à discuter des approches innovantes qui définissent l’évolution du rôle de l'édition artistique et indépendante dans la culture contemporaine.

À partir du 4 juillet et tout au long de l'été, la Salle de lecture Afrophon' présente des publications contemporaines ainsi que des éditions rares d'éditeurs africains. Ces derniers révèlent comment l'édition offre un espace alternatif pour les pratiques curatoriales, éditoriales et artistiques dans les contextes africains.