Cet artiste est l’un des plus influents et populaires au monde. Né à Bradford au Royaume-Uni en 1937, il a étudié au sein de la Bradford School of Art et du Royal College of Art de Londres, avant de réaliser certaines des œuvres les plus célèbres de ces 60 dernières années dans le domaine de l’art contemporain.

Depuis sa première exposition rétrospective organisée au sein de la Whitechapel Art Gallery de Londres en 1970 alors qu’il n’avait que 33 ans, l’artiste n’a cessé de susciter l’intérêt des critiques comme celui du public.
S’inspirant de nombreuses sources, dont l’imagerie populaire et les œuvres de maîtres anciens et modernes, le travail de David Hockney porte sur les grands classiques de l’art (natures mortes, portraits et paysages) et sur sa grande obsession : la représentation et la perspective.

Il s’est toujours montré avant-gardiste et audacieux en remettant en question notre perception du monde. Il a également mis en avant dans ses œuvres la multiplicité des possibilités dans les domaines traditionnels de la peinture, de la gravure et du dessin, mais aussi dans son utilisation plus contemporaine de la photographie et des technologies numériques.

En près de 9 sections retraçant sa carrière du milieu des années 1950 à aujourd’hui, les œuvres présentées dans cette exposition proviennent principalement de la collection de la Tate au Royaume-Uni mais aussi de collections particulières. Celles-ci illustrent le parcours unique de David Hockney grâce aux nombreuses façons dont il a interrogé la nature, ce qui nous entoure et la représentation de ses créations d’étudiant prometteur, jusqu’à ses chefs-d’œuvre reconnus comme ceux d’un des plus grands artistes vivant.

L’exposition "Steven & Spielberg, de l’ordinaire à l’extraordinaire !", propose une balade dans la vie et l’œuvre époustouflante du cinéaste, dans une scénographie originale, peuplées de créatures échappées de ses films et de reconstitutions d’univers fantastiques, le tout richement illustré !

Steven...

Avant de devenir le cinéaste le plus connu de la planète, et le plus rentable aussi, le champion du box-office Spielberg a été le jeune Steven, mal dans sa peau, « goinfre de télé et de cinéma ». Il a 6 ans quand son père l’emmène voir « Sous le plus grand chapiteau du monde ». Le lendemain, l’enfant remet en scène avec son train électrique le super déraillement. Une vocation est née. Jamais Steven n’aura d’autre ambition que celle de faire des films.

Doté d’une imagination « folle et sauvage » et toujours à la recherche de bonnes histoires à raconter en images, c’est à l’âge de douze ans qu’il tournera son premier court métrage. Les absences paternelles, puis le divorce de ses parents, vont marquer durablement l’adolescent...

À croire que Hollywood n’attendait qu’un jeune prodige, Steven décroche son premier contrat chez Universal Télévision avec « Amblin ». Il a 20 ans, son téléfilm « Duel » lui donne accès au seul écran qui vaille : le grand. Débuts modestes. Mais la Cité du rêve tient à sa nouvelle recrue. Steven deviendra Monsieur Spielberg en changeant l’industrie du cinéma avec son « requin tueur » qui va terroriser la planète et battre des records d’affluence.

Éclate alors son talent : celui de faire croire au spectateur ce qu’il ne lui montre pas…la marque des plus grands !

L’atterrissage à grand spectacle de gentils extra-terrestres transforme l’essai. Il y confirme, outre son grand intérêt pour la science-fiction, sa prédilection pour les héros ordinaires.

Car, chez Spielberg, c’est Monsieur Tout-le-monde qui se retrouve tout à coup confronté à l’extraordinaire qui va lui dicter un comportement héroïque. Ces personnages de la vie de tous les jours vont ainsi être amenés à se dépasser dans des situations plus grandes que la réalité… une merveilleuse rencontre entre l’ordinaire et l’extraordinaire.


& Spielberg !

Spielberg décrochera ainsi la Lune avec un E.T. qui va faire fondre les grands et les petits terriens, quand un aventurier au nom fameux d’Indiana Jones le mettra sur orbite… Dès lors, qui mieux que lui saura diriger des enfants et obtenir d’eux de si extraordinaires émotions ?

S’estimant enfin adulte à presque 40 ans, sous ses éternelles casquettes de base-ball, le « wonder boy » enchaîne avec des films dramatiques qui deviendront de plus en sombres au fil des années. Pour autant c’est toujours avec cet émerveillement presque enfantin qu'il abordera tous les sujets, de la manière la plus claire et la plus simple possible, avec son cœur et son âme d’enfant et toujours sans concession. C’est l’histoire, qui le passionne ; la guerre, qui l’obsède ; le racisme et l’antisémitisme, dont il a souffert adolescent ; la famille qui le replonge en enfance, l’avenir, qui le préoccupe : autant de sujets forts qui viendront s’ajouter à ses souvenirs de jeunesse pour donner ainsi du sens et de la gravité à ses films.

Toujours en quête du scénario qui l’arrachera à sa vie de famille et à ses sept enfants, Steven Spielberg a fini par disposer de la bonne histoire à laquelle il songeait depuis longtemps : la sienne. Elle lui a inspiré à 75 ans son trente-cinquième film, « The Fabelmans ». Sûrement pas le dernier.

Il y a tant à dire de ce grand génie que les murs du Château sont bien trop petits… alors on se balade dans cette exposition comme dans un rêve et nous voilà de l’ordinaire à l’extraordinaire comme transporter dans l’univers de « Steven & Spielberg »… Et n’est-ce pas bien là, toute la magie du cinéma ?

Valérie Fédèle
Commissaire d’exposition
Directrice générale et artistique Château de la Buzine

« Je ne rêve pas la nuit, je rêve le jour, je rêve toute la journée ; je rêve pour vivre »
« I don’t dream at night, I dream at day, I dream all day; I’m dreaming for living »
Steven SPIELBERG

Commissariat général de l’exposition : Valérie Fédèle
Équipe artistique Château de la Buzine : Virginie Stolf - Jean-Michel Gardanne - Manon Tollini - Jean-Marie Azeau
Crédits photos : Alamy - Getty Images
Œuvre portrait : Marina - Fine Art Invest
Avec la participation : des Studios de Martigues & de FASK (Créations Mimmo Garabetta et Sylvie Kamini)
Avec le soutien de : la Ville de Marseille, le Département des Bouches du Rhône, la Région Sud.

Le Frac est heureux de consacrer, en France, sa première exposition monographique d’envergure à Martha Wilson, figure pionnière et tutélaire des engagements féministes au travers de l’art.

Personnalité singulière dans l’histoire de l’art américain depuis le début des années 1970, Martha Wilson est l’une des premières artistes à faire usage de son corps, aux côtés de Hannah Wilke ou Eleanor Antin, pour questionner les représentations sociales du féminin au travers de ses performances, vidéos et photographies. En modifiant son apparence physique, elle met ainsi à mal les stéréotypes identitaires d’une Amérique néolibérale. Précurseur, son travail pointe vers des territoires conquis ultérieurement par d’autres artistes contemporaines, comme Cindy Sherman ou Martha Rosler ou de philosophes féministes comme Judith Butler.

En 1976, elle fonde dans son appartement à New York Franklin Furnace, un espace alternatif dédié à l’expérimentation artistique et la conservation de livres d’artiste, archives de vidéos, performances de cette avant-garde. Et en 1978 le groupe de « punk conceptuel » Disband, mêlant performance et musique avec des femmes artistes ne sachant jouer d’aucun instrument.

Elle commence son travail de performances par des satires politiques en se mettant en scène en First Lady (Nancy Reagan, Barbara Bush, Mélania Trump) ou en Donald Trump. Sa pratique artistique entretient une relation presque intrinsèque avec le langage. Ses travaux photographiques sont toujours accompagnés de textes. Elle considère cette pratique photographique, qu’elle agrémente de commentaires, comme « un lieu d’intersection entre l’image et le texte ».

L’exposition au Frac retracera la trajectoire d’une carrière où l’enjeu reste « la réinvention radicale de l’image de la femme par les femmes (Lucy Lippard) », la déconstruction des stéréotypes autour de la beauté féminine et d’un soi-disant idéal féminin, avec une problématique majeure : celle de l’âge et plus précisément la question de l’invisibilité de la femme de 70 ans, au travers d’un ensemble de photographies, vidéos de performances, livres d’artiste et documents d’archives.

Au printemps et à l’été 2022, Martha Wilson a effectué une résidence à la Cité internationale des arts (dans le cadre de la 2e édition du programme Art Explora) où elle a continué un projet initié en 1981 auprès de communautés féministes, en collaboration avec Suzanne Lacy et Susan Hiller. En 2022 elle a interrogé six artistes femmes en France de générations différentes en leur posant trois questions : 1. Comment êtes-vous devenue une artiste 2. Quel est votre rapport au féminisme 3. Des traumatismes ont-ils joué un rôle dans votre construction en tant qu’artiste ? dans la perspective de comparer leur travail et leur positionnement féministe, social et politique.

Cette programmation sera mise en exergue dans le cadre de l’anniversaire national des 40 ans des Frac et des 10 ans du bâtiment du Frac avec son inscription dans la Biennale de la Joliette.

« Stand with Ukraine », mis en place par le réseau Diagonal en partenariat avec le ministère de la Culture et l’Institut français, est un programme de soutien à l’Ukraine à travers des expositions et des évènements organisés avec des artistes, photographes et opérateurs culturels ukrainiens.

Dans ce contexte, le Centre Photographique Marseille présente Ukraine(S), une exposition réunissant 3 projets initialement prévus pour le festival Odesa Photo days en Ukraine et co-commissariée par Kateryna Radchenko, fondatrice et directrice du festival.

Ces trois propositions explorent la mémoire des images sur un territoire qui était, avant même l’invasion de 2022, en proie à des déstabilisations politiques et en lutte pour la liberté dans certaines de ses régions. Ces projets artistiques révèlent l’importance de la documentation et de la préservation d’une mémoire d’un pays dont l’indépendance récente marquait déjà un contexte particulier.

Body as a propaganda aborde la place du corps comme marqueur d’un processus social et culturel et comme instrument politique tant de résistance que de propagande.
Ukraine, la vie d’avant présente des photographies des 6 dernières années avec la conscience que notre regard est celui d’un présent où « chaque personne, chaque endroit sur ces photos a été touché d’une manière ou d’une autre.[...] Les lieux ont changé à jamais ».
Female est un projet vidéo regroupant de nombreuses artistes. Il a pour objectif de donner la parole aux femmes en montrant leur pratique photographique pour tracer l’évolution de la photographie contemporaine en Ukraine.

Cette exposition est réalisée en collaboration avec Kateryna Radchenko, fondatrice et directrice du festival Odesa Photo Days, dans le cadre de “Stand with Ukraine”, un programme de soutien à la scène photographique ukrainienne initié et mis en oeuvre par le réseau Diagonal avec le soutien du ministère de la Culture, de l’Institut français, de l’ADAGP et de la SAIF.

cp


Autour de l’exposition
Rencontre en présence des artistes et de la commissaire
Au Centre Photographique Marseille, le samedi 11 février de 17h à 19h.
Rencontre-discussion avec les artistes Sasha Kurmaz, Mikhail Palinchak, Oksana Parafeniuk, et la commissaire Kateryna Radchenko

Commissaire de l’exposition Muriel Enjalran.

Avec des œuvres de Richard Baquié, Io Burgard, Richard Deacon, Regina Demina, Monique Deregibus, Clarisse Hahn, Jeppe Hein, Jean-Baptiste Janisset, Théo Jossien, Peter Klasen, Ugo Rondinone, Mika Rottenberg, Ugo Schiavi, Michel Verjux...

Le Frac mettra à l’honneur dans le cadre des dix ans de son bâtiment un ensemble d’œuvres de sa collection rendant hommage à l’architecture de Kengo Kuma.

Commissaire de l’exposition Muriel Enjalran.

Avec des œuvres de Richard Baquié, Io Burgard, Richard Deacon, Regina Demina, Monique Deregibus, Clarisse Hahn, Jeppe Hein, Jean-Baptiste Janisset, Théo Jossien, Peter Klasen, Ugo Rondinone, Mika Rottenberg, Ugo Schiavi, Michel Verjux...

Le Frac mettra à l’honneur dans le cadre des dix ans de son bâtiment un ensemble d’œuvres de sa collection rendant hommage à l’architecture de Kengo Kuma.

Cette exposition s’appuie sur le roman de science-fiction Solaris écrit en 1961 par Stanislas Lem, et le film éponyme d’Andrei Tarkovski, fable métaphysique et mémorielle décrivant l’expédition sur une planète lointaine de scientifiques, intrigués par les phénomènes étranges que semble y susciter un vaste océan protoplasmique et protéiforme. Cette masse mystérieuse se comporte en effet comme un cerveau géant capable d’imprimer et de reproduire des entités physiques surgies de leur passé. L’architecture du bâtiment conçu par Kengo Kuma avec ses panneaux de verre en façade, ses ouvertures panoramiques, ses passerelles et ses coursives fait figure de vaisseau dans lequel se rejoue alors l’intrigue de Solaris avec des œuvres faisant écho à l’univers décrit par le roman et le film. Elles agissent comme autant de maillons d’une chaine de récit formant de possibles narrations activées par le parcours du visiteur « Solariste ». Solaris projette ainsi le Frac vers un futur imaginé par ces chercheurs et inventeurs de formes nouvelles que sont les artistes, dans cet espace d’exposition dédié, lieu de mémoire et de multiples métamorphoses.

De Io Burgard à Richard Baquié, de Ugo Schiavi à Jeppe Hein, ou encore de Peter Klasen en passant par Clarisse Hahn, à Regina Demina, cette exposition s’appuie sur un choix d’œuvres issues d’acquisitions récentes des trois dernières années mises en regard avec des œuvres historiques du fonds.
Cette exposition s’appuie sur le roman de science-fiction Solaris écrit en 1961 par Stanislas Lem, et le film éponyme d’Andrei Tarkovski, fable métaphysique et mémorielle décrivant l’expédition sur une planète lointaine de scientifiques, intrigués par les phénomènes étranges que semble y susciter un vaste océan protoplasmique et protéiforme. Cette masse mystérieuse se comporte en effet comme un cerveau géant capable d’imprimer et de reproduire des entités physiques surgies de leur passé. L’architecture du bâtiment conçu par Kengo Kuma avec ses panneaux de verre en façade, ses ouvertures panoramiques, ses passerelles et ses coursives fait figure de vaisseau dans lequel se rejoue alors l’intrigue de Solaris avec des œuvres faisant écho à l’univers décrit par le roman et le film. Elles agissent comme autant de maillons d’une chaine de récit formant de possibles narrations activées par le parcours du visiteur « Solariste ». Solaris projette ainsi le Frac vers un futur imaginé par ces chercheurs et inventeurs de formes nouvelles que sont les artistes, dans cet espace d’exposition dédié, lieu de mémoire et de multiples métamorphoses.

De Io Burgard à Richard Baquié, de Ugo Schiavi à Jeppe Hein, ou encore de Peter Klasen en passant par Clarisse Hahn, à Regina Demina, cette exposition s’appuie sur un choix d’œuvres issues d’acquisitions récentes des trois dernières années mises en regard avec des œuvres historiques du fonds.

Le Frac invite Liv Jourdan et Mathis Pettenati, récemment diplômés de la Villa Arson, à investir son plateau expérimentations. Chacun des deux artistes, dans la singularité de son écriture plastique, contribue à une installation réalisée à quatre mains pour cet espace. Il est question du rapport au vivant et à ses manifestations, au travers d’une installation qui sollicitera différentes formes de perception sensible, qu’elle soit d’ordre visuelle, olfactive ou sonore.

Liv Jourdan, née en 1988, vit et travaille à Nice. Diplômée de la Villa Arson en 2021, elle a également suivi un parcours en psychologie clinique et pratique le théâtre. Ses recherches pluridisciplinaires l’amènent à aborder la peinture dans son champ élargi, à travers une fluidité sensorielle et une esthétique des lisières aux confins des arts sonores, de l’olfaction et de la poésie. Engagée dans les nouveaux récits de l’anthropocène, elle explore les relations entre élans ornementaux et psychologie du lien, entre affects et mondes du vivant. « Je m’inspire de recherches sur les symbioses, les mutualismes et les parasitages pour donner forme à des milieux ornementaux qui touchent les différents sens. Les dynamiques ornementales, hybrides entre figure et abstraction, m’évoquent des phénomènes d’énergies, d’échanges, de liens qui sont au cœur du vivant, des relations entre humain.e.s et non humain.e.s. Ce sont ces strates d’interconnexion qui m’intéressent » Liv Jourdan.

Né en 1997 à Toulouse, Mathis Pettenati vit et travaille à Bruxelles. Issu d’une pratique de dessin et d’impression, il a commencé à peindre à la fin de son cursus à la Villa Arson dont il est diplômé depuis 2021. Il est lauréat du prix de la Francis bacon MB Art Foundation 2021. Sa peinture, qu’on pourrait aujourd’hui qualifier de « painterly painting » se déploie sur grands formats et en série. Habités par des motifs végétaux difficilement identifiables, les tableaux de Mathis Pettenati se construisent spontanément dans l’atelier en suivant des règles énoncées par l’artiste.

« Il y a beaucoup de formes organiques dans mes travaux et j’aime bien me dire que le cycle de la peinture et le cycle du vivant sont mis en parallèle. Ça commence par une idée qui germe, qui peu à peu se répand sur la toile, fleurit puis se retrouve infestée de champignons. C’est le moment de passer à un autre format. Il y a aussi quelque chose d’aliénant dans le fait de peindre les mêmes images « en boucle ». J’oublie presque le sujet du tableau à force de le répéter. »
Extrait d’un entretien entre l’artiste et Vittorio Parisi, commissaire de l’exposition Timeline of a Fruit Puddle (Villa Arson 2022) ».

Ce sont quatre artistes vivant entre Les Cévennes, Les Alpilles, Le Lubéron et La Mer Méditerranée.

Spirou et ses acolytes vivent de curieuses aventures, élucident des mystères et retrouvent une vieille connaissance.

Des extraits de la bande dessinée sont repris dans les affiches de cette exposition itinérante qui offre le grand potentiel de thématiser l’histoire de Berlin divisée, de manière ludique. Grâce à ses personnages cultes, à son rythme et à ses péripéties, cette BD contribuera au plaisir de tous.

Prêtée par le Goethe-Institut.

Commissaire de l’exposition Muriel Enjalran.

En partenariat avec le Cairn Centre d’art, Digne-les-Bains.
Avec le soutien de Fluxus Art Projects et de Château Bonisson.

Le Frac ouvre son quarantième anniversaire avec une exposition consacrée à un artiste majeur de la scène artistique internationale. Hamish Fulton, artiste marcheur, développe depuis près de cinquante ans une œuvre engagée en prise avec les grands enjeux et défis environnementaux que nos sociétés doivent relever aujourd’hui.

Depuis le début des années 1970, cet artiste britannique, parcourt le monde à pied. Il a réalisé plusieurs centaines de marches sur des milliers de kilomètres, qui constituent à elles seules l’ensemble de son œuvre. Ces expériences artistiques solitaires intègrent une diversité de pratiques qui « tentent » de traduire l’expérience de ces marches : photographies, textes, photos-textes, dessins, peintures murales, livres d’artiste, lectures publiques… Son travail est présent dans de nombreuses collections privées et publiques et présenté sur la scène internationale depuis plus de quarante ans.

Hamish Fulton ne cherche pas à transformer la nature mais à montrer que c’est la nature qui vous transforme : marcher est pour lui un acte militant, politique. Dans une démarche humaniste, sa pratique engagée qui s’est élargie à des pratiques de marches collectives, nous interpelle sur nos liens d’interdépendance avec la nature et sur notre modèle de société productiviste.

Il ne se revendique ni comme artiste du Land Art, ni comme performer ou poète, « Souvent, on me considère comme un sculpteur ou comme un artiste du Land Art. Je ne suis ni l’un ni l’autre. Je suis un artiste qui marche. Je ne travaille pas avec un matériau particulier. Travailler avec un seul élément me paraît douteux. Je n’en privilégie aucun, je suis libre d’associer les médiums qui me plaisent, que ce soit du verre, du bois, de la photo, de la vidéo ».

Pour son projet au Frac qui constitue la première grande exposition consacrée à cet artiste depuis plus de 10 ans, Hamish Fulton a réalisé une marche de 21 jours, du 1er au 21 juin 2022 dans le parc national du Mercantour situé à l’Est de Digne-les-Bains en région Provence-Alpes-Côte d’Azur, au départ de Barcelonnette.

Les œuvres résultant de cette marche – dessins et photographies notamment – entreront en résonance avec un ensemble de peintures murales de grands formats produites in situ, de photos-textes encadrées, de pièces en bois avec textes manuscrits… L’ensemble se déploiera dans l’espace monumental du plateau explorations en jouant des rapports d’échelle, offrant ainsi au spectateur, au gré de ses déplacements, une expérience physique et mentale inédite – qu’il pénètre le paysage, suive la ligne d’horizon, ou soit face à des paysages miniatures stylisés par des éléments en bois recouverts de textes manuscrits.

Cette mise en relation des marches effectuées dessinera ainsi une traversée des cours d’eau, des côtes qu’il aura longées, des routes et des sentiers parcourus et des massifs franchis de 1971 à 2022, à travers le monde.

Elle se prolongera à 140 km de là, à Digne-les-Bains, où le Cairn Centre d’art du Cairn présentera un ensemble d’œuvres dont plusieurs évoqueront la situation politique du Tibet, non loin de la résidence-musée de l’écrivaine et exploratrice Alexandra David Néel, qui fut la première femme européenne à pénétrer au Tibet.

Au Cairn Centre d’art, Digne-les-Bains : Vernissage de l’exposition Hamish Fulton samedi 25 mars à 12h. Exposition du 1er avril au 25 juin 2023.

Commissaire de l’exposition Muriel Enjalran.

Le Frac invite cette grande figure internationale de la danse contemporaine à présenter un ensemble de films retraçant ses recherches chorégraphiques au travers de pièces de danse emblématiques. Pour l’occasion, le Frac produira avec l’artiste un nouveau film sur une pièce chorégraphique récente, un solo sifflé, film qu’il présentera ainsi en avant-première.

Cette exposition invitera le visiteur dans un corps à corps avec les écrans, à se confronter à de grands tableaux vivants convoquant à la fois une histoire de la danse contemporaine et une histoire de l’art et de la peinture. C’est la première fois qu’une institution artistique consacrera une exposition au travail de film de cet artiste qui s’est toujours intéressé à l’art contemporain et y a fait des incursions sur le mode performatif.

Des pièces de danses seront proposées le temps d’un week-end dans les espaces du Frac avec sa compagnie Terrain.

Danseur, chorégraphe, mais aussi créateur de projets expérimentaux comme l’école éphémère Bocal, le Musée de la danse ou [terrain], Boris Charmatz soumet la danse à des contraintes formelles qui redéfinissent le champ de ses possibilités. De 2009 à 2018, Boris Charmatz dirige le Musée de la danse, Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne. En janvier 2019, il lance [terrain], structure implantée en Région Hauts-de-France et associée au Phénix scène nationale de Valenciennes, à l’Opéra de Lille et à la Maison de la Culture d’Amiens. Boris Charmatz est également artiste accompagné par Charleroi danse (Belgique) de 2018 à 2022.

D’À bras-le-corps (1993) à SOMNOLE (2021), il signe une série de pièces qui ont fait date, parmi lesquelles Att enen tionon (1996), enfant (2011), créée pour la Cour d’Honneur du Festival d’Avignon, ou 10000 gestes (2017). Il est l’auteur de plusieurs ouvrages (Entretenir / à propos d’une danse contemporaine, 2003, cosigné avec Isabelle Launay ; Je suis une école, 2009), et est également interprète et improvisateur (notamment avec Odile Duboc, Médéric Collignon, Anne Teresa De Keersmaeker et Tino Sehgal).

En 2021, Boris Charmatz crée La Ronde dans le cadre de l’événement Avant-travaux. Le Grand Palais invite Boris Charmatz, et orchestre pour l’ouverture du Grand Palais Éphémère une performance pour 130 danseurs, Happening Tempête. Il ouvre en juillet 2021 le Manchester International Festival avec Sea Change, une création chorégraphique dans l’espace public avec 150 danseurs amateurs et professionnels.

En août 2022, Boris Charmatz prend la direction du Tanztheater Wuppertal Pina Bausch où il développera, avec [terrain], un nouveau projet entre l’Allemagne et la France.